Najpiękniejsze filmy: Najlepsze zdjęcia XXI wieku

Najpiękniejsze filmy: Najlepsze zdjęcia XXI wieku

[ad_1]

Od „Drzewa życia” do „W nastroju do miłości”, IndieWire plasuje 40 filmów z najlepszą kinematografią ostatnich 20 lat.

Uwaga redaktora: Lista ta została pierwotnie opublikowana w 2017 r., ale została zaktualizowana o 16 nowych wpisów i ponownie sklasyfikowana.

Kinematografia jest trudna do oceny na podstawie własnych zasług, ponieważ może być trudno wyodrębnić ją z innych mocy świetnego wizualnego opowiadania. Jednocześnie każdy piękny movie pokazuje podpis utalentowanego reżysera fotografii tak samo jak filmowca. W procesie rozważania najlepszych osiągnięć kinematograficznych tej dekady, lista ta zawiera wspaniałe filmy, które – w niektórych przypadkach – osiągnąć więcej na poziomie kinematografii niż cokolwiek innego. Ostatnie dwie dekady wykazały, że rzemiosło kinematografii czyni niezwykłe postępy na poziomie technologii cyfrowych i innych innowacji, ale na koniec dnia te dane mają mniejsze znaczenie niż wrażenie pozostawione przez obrazy i ruchy uchwycone przez operatorów działających u szczytu swoich możliwości. Oto niektóre z najlepszych przykładów z tego młodego wieku.

40. „Cisza” (2016)

Meksykański DP Rodrigo Prieto po raz pierwszy połączył siły z Martinem Scorsese w „Wolf of Wall Road”, ale ich współpraca osiągnęła nowy poziom w „Silence”. Kiedy oglądasz potężny dramat religijny / okres, odrębna paleta i ostre obrazy są uderzające, nawet w przypadku filmu Scorsese, ale nie są całkowicie zaskakujące, biorąc pod uwagę staranne planowanie, które trafia do każdego jego filmów. Ale Prieto stworzył wyrzeźbiony wygląd filmu w niemożliwych warunkach. Żonglując szorstkimi lokalizacjami w stale zmieniających się i trudnych warunkach pogodowych, Prieto w jakiś sposób kontroluje elementy, sprawiając, że mgła, natura, morze i światło słoneczne wdają się w narzędzia swojego studia na świeżym powietrzu. –CO

39. „Labirynt Pana” (2006)

https://www.youtube.com/observe?v=E7XGNPXdlGQ

Guillermo del Toro długoletni operator Guillermo Navarro zdobył zasłużonego Oscara za pracę nad intrygującym filmem fantasy reżysera. Navarro jest tak samo integralną częścią filmów del Toro, jak każdy bajkowy potwór, lensing sześć filmów z jego rodaków: „Cronos”, „The Devil’s Backbone”, „Hellboy”, „Pan’s Labyrinth”, „Hellboy II: The Golden Military” i „Pacific Rim”. Navarro współpracował również z Robertem Rodriguezem przy kilku filmach i nakręcił „Jackie Brown” Quentina Tarantino. Film tak zależny od wizualizacji, aby utkać swoją ciemną przędzę, geniusz „Labiryntu Pana” jest w delikatnej równowadze, którą uderza między lekkością a ciemnością. Część bajka z dzieciństwa, część koszmar, Navarro strome jego obrazy w głębokim bluesie i niesamowite żółte. Płynne ruchy kamery prowadzą widza płynnie – i niesamowicie – z ciemnej krainie fantazji do zimnego światła rzeczywistości. Jest to efekt odurzający – obrazy jakoś umyć nad tobą jak roiling morza i uderzyć strach przed Bogiem w tobie w tym samym czasie. –Jude Suchy

38. „Mistrz” (2012)

Nie powinno być zaskoczeniem, że Paul Thomas Anderson służył jako jego własny operator w swoim najnowszym filmie bez tytułu (otwarcie w grudniu). Niezależnie od tego, czy pracuje z regularnym DP Robert Elswit, lub nowicjusz Mihai Malaimare Jr na „The Master”, PTA jest filmowiec całkowicie za jego precyzyjne obrazy, nawet do wyboru dokładnych obiektywów potrzebnych do uchwycenia jego wizji. Podczas gdy dla większości reżyserów, przełączanie się między cyfrowym i filmem nie wpłynęło na ich pracę, fotografia Andersona staje się coraz bardziej specyficzna dla tekstury, koloru i magii celuloidu.

Dla „Mistrza”, przejście do 70mm było kluczowe, jak Anderson korby się halucynacje tarczy na jego wizualizacje, aby umieścić nas w powojennej mgły weterana jest zachwycony huckster. Ocean, światło i atmosfera są tak obecne, że jesteśmy uśpieni w urzekającym, marzycielskim stanie. Każda klatka to wyraziste zdjęcie z ostrymi kolorami i szczegółami z epoki, które pochodzą z tego, co znajduje się w kadrze, a nie z filtrów i manipulacji postprodukcji. Są to obrazy przeznaczone do implantacji się w mózgu, co może wyjaśnić, dlaczego reputacja filmu wzrosła wykładniczo od czasu jego pierwszego wydania. –CO

37. „Wszystkie te nieprzespane noce” (2017)

https://www.youtube.com/enjoy?v=I_oSKWFGYlk

Najlepszym przykładem nowych kind opowiadania historii i języka filmowego, które są możliwe dzięki nowej generacji światłoczułych, stosunkowo niedrogich aparatów cyfrowych. Współpracując z dwoma prowadzącymi, reżyserem i współreżyserem Michałem Marczakiem stworzył filmowy portret of niespokojna młodzież, która czuje się bardziej spokrewniona z francuską Nową Falą niż z dokumentem.

Kinematografia jest tak dużą częścią procesu Marczaka: Jego portrety niekończących się światów imprezowych często odbywają się o porach dnia, kiedy światło jest najbardziej sugestywne, a w niektórych przypadkach pojawiał się wcześnie z dop Maciejem Twardowskim, aby stworzyć odpowiednie oświetlenie. Raz na imprezie Marczak nie jest tam, aby dokumentować używa maleńkich Sony AS7s i platformy kamery zbudował się do tworzenia i znajdowania wyrazistych momentów efemerycznych, gdy splata się przez strony i buduje swoją narrację. –CO

36. „Enter the Void” (2010)

John Alton napisał nieoceniony „Portray with Light-weight” (tytuł później zapożyczony na wspaniały movie dokumentalny o rzemiośle), aby wyjaśnić, w jaki sposób stworzył niskokluczowe systemy oświetlenia noir, które zmieniły Hollywood. Można tylko mieć nadzieję, że pewnego dnia Benoit Debie napisze własną książkę zatytułowaną „Malowanie kolorem”. Wraz z niedawnym pojawieniem się (i ogromną poprawą) regulowanego, lekkiego i niedrogiego oświetlenia LED, ciało Debie w ciągu ostatnich 20 lat (które polegało bardziej na żelach, filtrach i praktycznych) stało się jednym z najbardziej wpływowych w nowoczesnej kinematografii. Filmowcy, teraz wyposażone w łatwy sposób eksperymentować i włączyć kolor do własnego oświetlenia, są coraz bardziej badania debie śmiałe wykorzystanie koloru w jego współpracy z Harmony Korine („Spring Breakers” i „Beach Bum”) i Gaspar Noé („Climax”, „Nieodwracalne”), ale to eksperymentalne „Enter the Void”, które często pozostawia je oniemiały.

Nylonowy świat Tokio w nocy, postacie biorące psychodeliczne narkotyki, a historia rannego dealera o nieco out-of-overall body doświadczenie – wszystkie te elementy dają Noé i Debie licencji na tworzenie wizualnego języka miga, czasami niestabilne obrazy, które czują się jak coś nowego. Kolor to emocja, stan umysłu, ale także sama historia. Podobnie jak w jego florida-established pracy z Korine, to nie tylko kolor, który Debie dodaje do ramki, ale jak filtruje i przechwytuje kolor i styl świata przed jego obiektywu, który tworzy paletę w przeciwieństwie do niczego widzieliśmy wcześniej. –CO

35. „Neon Demon” (2016)

Zdolność dyrektora Nicolas Winding Refn do stworzenia kolorowego koszmaru na urok piękna magazynu mody jest jednym z tych pomysłów, które brzmi ekscytujące i fajne, ale nie tak łatwo zdjąć. Na szczęście, operator Natasha Braier – jeden z najbardziej pomysłowych, zaradny i nieustraszony DoPs pracy dzisiaj – nie tylko stworzył elegancki połysk wysokiej cenie fotografii mody z noirish undercurrent, zrobiła tak fotografowania w wielu miejscach i w granicach szybkim tempie, barebones 5 milionów dolarów strzelać. Malując prawie całkowicie kolorem i cieniem, Brairer przekształca rozpoznawalne Los Angeles w oszałamiający piekielny krajobraz. –CO

34. „Wielkie piękno” (2013)

https://www.youtube.com/enjoy?v=Dyt430YkQn0

Luca Bigazzi i reżyser Paolo Sorrentino od dawna pracują razem, współpracując przy filmie („Młodzież”) i telewizji („Młody papież”). Ale ich ukoronowaniem wizualnym osiągnięciem będzie prawdopodobnie ich współpraca w 2013 roku nad „The Terrific Attractiveness”, starzejącą się podróżą mężczyzny przez blichtr i kluby z własnej przeszłości. Jest to bujny kontrast między nocą i dniem, uchwycenie zalane słońcem włoskie widoki i fajerwerki oświetlone sceny imprezowe w godzinach wieczornych. Zamiatanie kamery w uroczystości na szeroką skalę jest hołdem dla ruchu i organów poniżej. Bigazzi podkreśla ciszę w środku ramy, gdy otacza ją żywy chaos. To olśniewający wir natury i człowieka, prostoty i sztuczności. To nieprzejednana ekstrawagancja w formie filmowej. – Steve Greene

33. „Mudbound” (2017)

https://www.youtube.com/view?v=vAZWhFI9lLQ

Oglądając bogatą, klasyczną elegancję „Mudbound” łatwo zapomnieć, jak bardzo zespół filmowy wyszedł poza swoje środki (budżet produkcji w wysokości 9 milionów dolarów) w tworzeniu wspaniałego, rozległego zespołu z epoki. Kinematografia Rachel Morrison robi wrażenie nie tylko ze względu na nałożone na nią ograniczenia.

Położony w Missisipi z 1940 roku, reżyser Dee Rees jasne oczy spojrzeć na bałagan rasy jest tak samo o dziś jak w przeszłości naszego kraju, prowadząc Morrison uniknąć złotej nostalgii tradycyjnej sztuki Oscara prestiż. Fotografowanie cyfrowo, operator rejestruje specyfikę epoki fotografów WPA, jak Dorothea Lange i Walker Evans, który zainspirował podejście filmowca. Morrison odnajduje człowieczeństwo tej tragicznej historii w swoim uderzającym krajobrazie.

Jednak oszałamiający wizualnie film był produktemopierać się na naturalistycznym podejściu do oświetlenia. Obrazy to wyrzeźbione nie przychodzą łatwo podczas fotografowania w ciasnych, bezokietowych domach sharecropper lub w surowym letnim świetle Głębokiego Południa. Przed „Mudbound”, Morrison był jednym z najbardziej ekscytujących talentów na świecie niezależnych filmów. Z tego filmu, przekroczyła ten position i wszedł do listy A. -CO

Zarejestruj się: Bądź na bieżąco z najnowszymi filmami i wiadomościami telewizyjnymi! Zapisz się do naszych biuletynów e-mail tutaj.

[ad_2]